Shows

Kinga Bartis

Shores of Selves

10.06.2022–18.09.2022

Vernissage:

09.06.2022,17:00–19:30

1 / 8

Photo: David Stjernholm

2 / 8

Photo: David Stjernholm

3 / 8

Photo: David Stjernholm

4 / 8

Photo: David Stjernholm

5 / 8

Photo: David Stjernholm

6 / 8

Photo: David Stjernholm

7 / 8

Photo: David Stjernholm

8 / 8

Poster by Alexis Mark

I Kinga Bartis’ værk er nærmest alt i bevægelse. De ting, som vi sædvanligvis skelner fra hinanden, flyder her sammen. En menneskekrops omrids sløres i havets strøm. Havet glider over i himlen. En fugls vingeslag gribes af vinden og går i et med skyerne. Bartis’ værker er som økosystemer. Intet kan anskues isoleret. De forskellige elementer er ikke afgrænsede af klare konturer. De vibrerer. Alting er ikke blot animeret. Tingene er også så sammenvævede, at de animerer hinanden.

Med Bartis’ første institutionelle soloudstilling Shores of Selves på Tranen præsenteres en verden, hvor alting har et selv, men selvet er i forandring og uden afgrænsning. En ting kan have et selv, men kan også dele det med andre. Bartis maler ikke blot mennesker, dyr, planter, havet, himlen og himmellegemerne i sig selv. Bartis maler også, hvad de er for hinanden. Stedet, hvor et element ender og et nyt begynder, er flydende ligesom kysten, hvor hav møder land – som omfavnelse, som sammenstød, som sex, som kamp. Det samme gælder malerierne og gulvtæppet på udstillingen, der nok indtager hver sin plads, men samtidig flyder over i hinanden.

Bartis voksede op som en del af det ungarske mindretal i Transsylvanien, Rumænien, og siden som immigrant i Ungarn, hvor hun tog en kandidat i samfundsvidenskab, inden hun flyttede alene til Danmark, hvor hun tog sin anden uddannelse på kunstakademiet i København. Som sådan har hun ofte tænkt på sociologen Georg Simmels begreb om den fremmede, der føler sig fraværende i sine nærmeste omgivelser: Uden et sted hun kan kalde sit hjem, og et modersmål, der dækker hendes livsverden. Hendes mest flydende sprog er at finde i malerierne, hvor kultur, normer, grænser, hierarkier, regler og sågar naturlove er i skred. Kunstnerens biografi er en indgang til værkerne, men de handler ikke om ét liv, men adskillige liv og livsformer.

Mennesket i Bartis’ malerier er ikke blot udflydende og uadskilleligt fra dets omgivelser. Menneskefiguren er også i flere malerier på Shores of Selves mangfoldiggjort. Bartis udforsker kroppe, hvor det enkelte menneske udfolder sig som et hav af figurer; eller et hav af figurer opsluges og omsluttes af blot et legeme. Menneskene antager ofte velkendte skikkelser, der dog forandrer sig til uigenkendelighed. Der er den moderlige krop, der bliver født af og giver liv til vandplanter. Der er den sensuelle krop, der ikke bare elsker med andre kroppe men med alt, hvad den er omgivet af. Der er den billedskønne krop, hvis hoved og organer muterer på monstrøs vis og knopskyder som en blomst. Og så er der et væld af munde, øjne og vaginaer, der alle er så åbne mod verden, at de ikke er forankret i noget legeme overhovedet. Rodløshed bliver i malerierne ikke bare dyrket som tab, men som åbning mod et rigt rum af muligheder og flertydighed; som en anden måde at tænke, at føle og at være i verden på – ligesom eksempler i plante- og dyreriget på bevidsthed uden hjerne, følelser uden centralnervesystem og forplantning uden kønsorganer.

To motiver, der er sammenvævede og danner en rød tråd i Bartis’ værk, er krop og vand. Som Bartis bemærker, er der en lang tradition fra Botticellis Venus’ fødsel til Ingres’ Kilden for at afbilde vand som kvindens element, og ikke desto mindre er de to forblevet strengt adskilte. Ligegyldigt hvor meget kvinderne bader, forbliver de tørre. Både vandet og kvinden er passive ressourcer, som man ved, hvor man har. Hos Bartis forholder det sig omvendt. I et maleri er havet i selve menneskekroppen, som kigger mod horisonten. I andre malerier er kroppene i havet. I Bartis’ malerier er, hvad der forstås ved såvel kvinde som ved vand mindre definerede og til konstant forhandling.

Bartis’ malerier er figurative og samtidig abstraherede. Figurer dukker op i vandskabet, forsvinder i det, hæver sig over det, går i et med det eller går under. Det er billeder på både individ og verden i hastig transformation. Omgivelserne er omskiftelige, og overlevelse kræver og kalder på konstant forvandling. Det være sig som metamorfose, tilpasning eller camouflage. Men det er også billeder på en verden, hvor krop, identitet, art med mere er flydende og hierarkier udviskes. En ting glider over i en anden, måske endda sin modsætning – ligesom forgrund og baggrund i billederne udviskes eller bytter plads.

En række af tidens store overlappende temaer og debatter lurer under overfladen: Diverse feminismer, køn, seksualitet, posthumanisme, økologi, biodiversitet, havvandsstigninger, migration, plante- og dyrerigets intelligens og sensibilitet med mere. Men Bartis positionerer sig ikke klart i en eksisterende debat. Hun er snarere optaget af, hvordan et tema glider over i, oplyser og skygger for et andet tema. Bartis’ værker kan virke højaktuelle. Samtidig genkalder de interkønnede guder, metamorfoser og aseksual reproduktion, som man kender fra græsk mytologi og andre kosmologier, såvel som evolutionære teorier om menneskets oprindelse i verdenshavet og fremtidsvisioner om en oversvømmet verden.

Toke Lykkeberg
Leder af Tranen

Kinga Bartis (f. 1984) er født i Transsylvanien, Rumænien, og bor og arbejder i København. Bartis dimitterede fra Det Kongelige Danske Kunstakademi i 2018. Blandt hendes seneste udstillinger kan nævnes soloer i København hos Galleri Nicolai Wallner og Outpost Gallery samt gruppeudstillingen Soil.Sickness.Society på Rønnebæksholm i Næstved.

Shores of Selves er er en del af Tranens program med ekstemporær kunst. Fokus er på den del af samtidskunsten, som ikke er fokuseret på samtiden. Når alt fra økosystemer til teknologi udvikler sig med stadig højere hastighed, bliver samtiden flygtig og uhåndgribelig. Den skrumper. Til gengæld vokser vor viden om fortiden konstant. Spekulationer om fremtiden tager til. Spørgsmålet om, hvor vi befinder os idag, bliver til et spørgsmål om, hvor vi kommer fra, og hvor vi er på vej hen. Som del af denne bevægelse er megen samtidskunst ikke længere kontemporær, hvilket bogstaveligt talt vil sige ’med tiden.’ I stedet er den ’ekstemporær’, altså ’ude af tiden’ eller samtiden.

Udstillingen er generøst støttet af Statens Kunstfond og Knud Højgaards Fond.

In Kinga Bartis’s work, just about everything is in motion. Things we usually distinguish from each other flow together. The outline of a human body is blurred in the current of the ocean. Ocean slides into sky. The wind snatches the flapping wings of a bird, and the bird merges with the clouds. Bartis’s works are like ecosystems. It is impossible to view anything in isolation. The various elements are not demarcated by clear contours. They vibrate. But everything is not merely animated. Things are also interwoven to such an extent that they animate each other.

Shores of Selves at Tranen is Bartis’s first institutional solo exhibition. It presents a world in which everything has a self, but that self is in a state of change and has no line of demarcation. A thing may have a self, but may also share it with others. Bartis not only paints people, animals, plants, the sea, the sky and the celestial bodies in their own right. She also paints what they mean for each other. The place where one element ends and a new one begins is as fluid as the coast, where sea meets land – like embrace, like collision, like sex, like struggle. The same applies both to the paintings and the carpet in the exhibition. Yes, everything occupies its place, but everything also overflows into each other.

Bartis grew up as part of the Hungarian minority in Transylvania, Romania, and later as an immigrant in Hungary, where she took a master’s degree in social sciences, before moving alone to Denmark and embarking on her second period of study at the Academy of Fine Arts in Copenhagen. Her background has often led her to think of the sociologist Georg Simmel’s concept of the foreigner who feels alienated from their immediate environment: without a place to call home or a native language to express their lifeworld. Her most fluent language lies in her paintings. Here, culture, norms, boundaries, hierarchies, rules and even natural laws are shifting. However, although her biography may be one way of approaching her works, the works are not about a single life, but about several lives and forms of life.

In Bartis’s paintings, the human being is not merely indistinct and inseparable from their surroundings. In several works in Shores of Selves the human figure is multiplied. Bartis explores bodies, in which the individual appears like a sea of figures; or a sea of figures is engulfed and encased by just one body. Humans often assume familiar figures, but then they morph into unrecognizability. There is the maternal body, giving birth to and investing water plants with life. There is the sensual body, making love, not only to other bodies, but also to everything by which it is surrounded. There is the strikingly beautiful body, whose head and organs mutate monstrously and bud like a flower. Then comes a myriad of mouths, eyes, and vaginas, all of which are so open to the world that they are not rooted in any body at all. In the paintings, rootlessness is not just cultivated as loss, but as an opening to a rich space of possibility and ambiguity – as another way of thinking, of feeling, and of existing in the world. Just as there are examples in the plant and animal kingdoms of consciousness without brain, feelings without a central nervous system, and procreation without genitals.

Two motifs that are interwoven and form a common thread in Bartis’s work are the body and water. As Bartis points out, there is a long tradition, from Botticelli’s The Birth of Venus to Ingres’ The Source, of depicting water as the female element. Nevertheless, the two remained strictly separate. No matter how much the females bathe, they remain dry. Both the water and the woman are passive resources. We know where we have them. In Bartis’s works, things are the other way around. In one painting, the sea is in the actual human body as it gazes towards the horizon. In other paintings, the bodies are in the sea. In Bartis’s paintings, what we regard as woman and water are less defined and more negotiable.

Bartis’s paintings are at once figurative and abstracted. Figures emerge from the waterscape, disappear in it, rise above it, merge with it or sink. They are images of both the individual and the world in a state of rapid transformation. The environment is unsettled and survival requires and calls for constant transformation, be it as metamorphosis, adaptation or camouflage. But they are also images of a world, in which body, identity, species etc. are fluid, and hierarchies are obfuscated. One thing slips into another, perhaps even its opposite, and the foreground and background of the pictures are blurred or swap places.

A number of the great overlapping themes and debates of our age lurk beneath the surface: various feminisms, gender, sexuality, posthumanism, ecology, biodiversity, the rising sea level, migration, the intelligence and sensibility of the plant and animal kingdoms, and much more besides. But Bartis does not take an obvious side in an existing debate. She is more concerned with how one theme slides into, illuminates, and shadows another theme. Bartis’s works may seem highly topical. At the same time, they recall intersex gods, metamorphoses and asexual reproduction of Greek mythology and other cosmologies as well as evolutionary theories about the origin of humankind in the world’s ocean and visions of a future flooded world.

Toke Lykkeberg
Director of Tranen

Kinga Bartis (b. 1984) is born in Transylvania, Romania, and lives and works in Copenhagen. She graduated from the Royal Danish Academy of Fine Arts in 2018. Recently, she has had solo shows in Copenhagen at Galleri Nicolai Wallner and Outpost Gallery and participated in the group exhibition Soil.Sickness.Society at Rønnebæksholm in Næstved.

Shores of Selves is part of Tranen’s programme of extemporary art. The focus is on contemporary art that is not primarily focused on our contemporary condition. When everything from climate to technology evolves at ever greater pace, the present becomes ephemeral and intangible. The present starts to shrink. Meanwhile, our knowledge of the past increases. Speculations about the future abound. As part of this development, a lot of art is no longer contemporary — which literally means ‘with time.’ Instead, art is rather ‘extemporary, i.e. ‘out of time’.

The exhibition is generously supported by The Danish Arts Council and Knud Højgaards Fond.